BREVE HISTORIA DEL MONTAJE CINEMATOGRÁFICO

EL MONTAJE CINEMATOGRÁFICO

IMAGEN Y SONIDO 2ºBACH-B

CARLOS TÉBAR DÍAZ

ÍNDICE

1. INTRODUCCIÓN……………………………………………………. PAG 3

2. ORIGEN DEL MONTAJE CINEMATOGRÁFICO………………………………………………….. PAG 3-9

2.1. HERMANOS LUMIÈRE …………………………………………………. PAG 3-4

2.2. GEORGES MÉLIÈS……………………………………………………… PAG 4-5

2.3. GRIFFITH………………………………………………………………….. PAG 5

2.3. ALFRED HITCHCOCK ………………………………………………….. PAG 6

2.4. STANLEY KUBRICK……………………………………………………... PAG 6-7

2.5. STEVEN SPIELBERG…………………………………………………… PAG 7-8

2.6. JAMES CAMERON………………………………………………………. PAG 8-9

3. EL CINE MUDO……………………………………………………… PAG 9-10

4. CINE SONORO……………………………………………………… PAG 10

5. TIPOS DE MONTAJE ………………………………………………. PAG 10-11

5.1. MONTAJE NARRATIVO…………………………………………………. PAG 11

5.2. MONTAJE EXPRESIVO ……………….………………………………… PAG 11

5.3. MONTAJE IDEOLÓGICO……………………………………………….... PAG 11

5.4. MONTAJE CREATIVO……………………………………………………. PAG 11

5.5. MONTAJE POÉTICO……………………………………………………… PAG 11

6. BIBLIOGRAFÍA………………………………………………………... PAG 11-12

INTRODUCCIÓN

El montaje es el proceso que se utiliza para ordenar los planos y secuencias de una película, de forma que el espectador los vea tal y cómo quiere el director. La manera de colocar los diversos planos puede cambiar completamente el sentido, y por lo tanto el mensaje, de una película.

Al producir una película, se debe planificar con antelación cuál será la presentación final. Con esta idea se podrán rodar los tipos de planos necesarios hasta alcanzar la realización pensada inicialmente. Una mala producción puede cambiarle el sentido al mensaje inserto en la historia.

En definitiva, es el proceso donde se edita toda la película, allí se suprime lo que no gusta o encaja en la filmación, se aceleran los ritmos o se cruzan los tiempos. Gran parte de la responsabilidad sobre este proceso la tiene el director, pues es quien en definitiva construye el rodaje en tiempo y espacio.

ORIGEN DEL MONTAJE CINEMATOGRÁFICO

HERMANOS LUMIÈRE

El cinematógrafo nació en Francia gracias a los hermanos Lumière: Auguste Marie Louis Nicolas Lumière (1862-1954) y Louis Jean Lumière (1864-1948) nacieron en Besançon (Francia). Ambos trabajaron en el taller fotográfico de su padre Louis como físico y Auguste como administrador

Louis Lumière invento el cinematógrafo, el aparato consistía en una caja de madera con un objetivo y una película perforada de 35 milímetros. Ésta se hacía rodar mediante una manivela para tomar las fotografías instantáneas que componían la secuencia que no duraba más de un minuto y proyectar luego la filmación sobre una pantalla.

El cinematógrafo fue patentado el 13 de febrero de 1895. Ese mismo año, los Lumière rodaron su primera película, “La sortie des ouvriers des usines Lumière à Lyon Monplaisir” (al español seria Salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon Monplaisir) y fue presentada el 22 de marzo de 1895, en una sesión de la Société d'Encouragement à l'Industrie Nacional en París.

Los Lumière decidieron hacer una exhibición comercial de sus películas, lo celebraron en el Salon indien du Grand Café, un sótano en el número 14 del Boulevard des Capucines, el 28 de diciembre de 1895.

GEORGES MÉLIÈS

Marie Georges Jean Méliès (1861-1938) fue un ilusionista y cineasta francés conocido por liderar muchos desarrollos técnicos y narrativos en los albores de la cinematografía. Georges Méliès atraído por todo lo que tenía que ver con la imagen, pagó la tarifa de admisión de un franco y asistió a una demostración de Auguste Lumière, uno de los verdaderos inventores del cine, pronto adquirió una cámara.

En 1896, importó cortometrajes realizados en Estados Unidos por Thomas Edison para proyectar en su teatro Robert Houdin. Donde había pequeñas escenas al aire libre también tomas de trabajadores de fábricas que se iban a casa. Al principio, las películas consistían en un solo carrete corto, pero Méliès avanzó rápidamente e hizo 80 películas solo en 1896, ampliando su alcance de tomas individuales que duraban alrededor de un minuto hasta tres carretes y nueve minutos.

Georges Méliès comenzó a introducir efectos especiales en sus películas de 1897, descubrió que una la película se había atascado dentro de la máquina. Méliès notó que la brecha resultante había creado una curiosa ilusión vio que el dispositivo tenía un tremendo potencial para extender la fantasía y la imaginación.

En 1902, creó la que está considerada su obra capital, Viaje a la Luna. En ella, la evolución de la continuidad narrativa cinematográfica

DAVID GRIFFITH

David Wark Griffith (1875-1948) fue un director cinematográfico estadounidense. Considerado el creador del modelo estadounidense de representación cinematográfica o montaje invisible, es considerado padre del cine moderno. Al comenzar a realizar películas, Griffith fue experimentando nuevas técnicas de filmación y montaje que dieron origen a lo que se conoce como montaje de continuidad, el montaje de continuidad se caracteriza por los cortes entre escenas que ayudan a mantener un sentido coherente en tiempo y espacio.

Estableció todas las reglas del montaje clásico con el montaje transparente, con el objetivo de pasar desapercibido. Buscando que el público no se diera cuenta de que la película está montada, dando una sensación de continuidad cercana a la realidad y así engaña al público haciéndole creer que los acontecimientos suceden continuadamente.

En 1913, se afirmaba que Griffith era el creador del lenguaje cinematográfico, por usar técnicas tales como el primer plano o el flashback. Entre las obras más importantes de Griffith encontramos The Birth of a Nation (1915) y Intolerance

ALFRED HITCHCOCK

Alfred Joseph Hitchcock (Leytonstone, Londres, 1899–1980) fue un director de cine y productor británico nacionalizado estadounidense. Fue pionero en muchas de las técnicas que caracterizan a los géneros cinematográficos del suspense y el thriller psicológico. Tras una exitosa carrera en el cine británico en películas mudas y en las primeras sonoras, que le llevó a ser considerado el mejor director de Inglaterra.

Pare entender mejor como funciona el montaje de Alfred Hitchcock visualice este video del propio Hitchcock explicando que es el montaje para él y como lo utilizaba en sus películas: https://www.youtube.com/watch?v=_VH2SF6_uh0 y el efecto Kuleshov https://www.youtube.com/watch?v=BpxYzs8hj3A .

STANLEY KUBRICK

Stanley Kubrick (Nueva York, Estados Unidos, 1928-1999) fue un director de cine, guionista, productor y fotógrafo estadounidense nacionalizado británico. Es considerado por muchos como uno de los cineastas más influyentes del siglo XX. Destacó tanto por su precisión técnica como por la gran estilización de sus películas y su marcado simbolismo.

Kubrick debutó como director cinematográfico con una serie de documentales rodados a comienzos de los años 50, los cortos “Day Of The Fight” (1951), “Flying Padre” (1951) y “The Seafarers” (1953).

“Atraco Perfecto” (1956), la primera gran obra de Stanley Kubrick producida de manera independiente junto a James B. Harris, en ella se apreciarían algunas de las virtudes de Stanley Kubrick como director: su meticulosidad y perfeccionismo enfermizo con los detalles, el realce visual en un intrincado proceder narrativo y un control total de todo el proceso artístico. También se distinguió notablemente su carácter inconformista y esquivo, configurando películas polémicas y controvertidas.

Tras Killer´s Kiss (El beso del asesino, 1955) o The Killing (Atraco perfecto, 1956), se estrenó Paths of Glory (Senderos de gloria, 1957) que es un filme antibelicista que hasta el día de hoy es considerado uno de los mejores del director.

STEVEN SPIELBERG

Steven Allan Spielberg (Cincinnati, Ohio, 1946) es un director, guionista y productor de cine estadounidense. Se lo considera uno de los pioneros de la era del Nuevo Hollywood y es también uno de los directores más reconocidos y populares de la industria cinematográfica mundial, en el mundo del espectáculo se lo conoce como “El Rey Midas de Hollywood”

En sus películas, Spielberg ha tratado temas y géneros muy diversos. Sus primeros filmes de ciencia ficción y aventuras, como Tiburón (1975), Close Encounters of the Third Kind (1977), la franquicia de Indiana Jones y E.T., el extraterrestre (1982), son considerados arquetipos del cine de evasión del Hollywood moderno.

En años posteriores comenzó a abordar temas humanistas como el Holocausto, el comercio atlántico de esclavos, los derechos civiles y políticos, la guerra y el terrorismo en películas como El color púrpura (1985), El imperio del sol (1987), La lista de Schindler (1993), Amistad (1997), Saving Private Ryan (1998), Múnich (2005), War Horse (2011), Lincoln (2012) o El puente de los espías (2015).

Candidato siete veces a los Premios Óscar en la categoría de mejor director, obtuvo el premio en dos ocasiones, con La lista de Schindler (1993) y Saving Private Ryan (1998). Tres de sus películas (Tiburón, E.T., el extraterrestre y Parque Jurásico) lograron ser las películas de mayor recaudación en su momento y se convirtieron en verdaderos fenómenos de masas.

JAMES CAMERON

James Francis Cameron (Kapuskasing, Ontario, 1954) es un director, guionista, productor de cine, editor de cine, ingeniero, filántropo y explorador marino canadiense. Empezó en la industria del cine como técnico en efectos especiales y después triunfó como guionista y director de la película de acción y ciencia ficción The Terminator (1984).

Su popularidad le llevó a ser contratado como guionista y director de un proyecto de mayor presupuesto, Aliens: El regreso (1986). Y tres años después estrenó The Abyss, una odisea submarina. Siguió gozando del favor de crítica y público con Terminator 2: el juicio final (1991), alabada por sus efectos especiales. Después de dirigir el filme de espías True Lies (1994).

Cameron se embarcó en su proyecto más ambicioso y exitoso hasta entonces, Titanic (1997), que se convirtió en la película con más recaudación de la historia y por la que fue ganador a tres premios Óscar, a mejor película, mejor director y mejor montaje.

Después, comenzó a trabajar en su siguiente largometraje durante diez años, Avatar (2009). Avatar película épica de ciencia ficción que supuso un hito en el desarrollo del cine 3D, por la que fue nominado de nuevo a tres premios Óscar siendo a mejor película, mejor director y mejor montaje.

EL CINE MUDO

Anteriormente al cine sonoro ya existía el sonido en el cine. Los cineastas y proyectistas se habían preocupado de ello, pues el cine nace con voluntad sonora. En las primeras filmaciones cortas en que aparecen actores y actrices bailando, el espectador no oye la música, pero puede observar sus movimientos. Por otra parte, rara vez se exhibían las películas en silencio.

Los hermanos Lumiére, en 1897, contrataron un cuarteto de saxofones para que acompañase a sus sesiones de cinematógrafo en su local de París y hubo compositores de valía, como Saint-Saéns que compusieron partituras para acompañar la proyección de una película. Músicos y compositores tenían en el negocio del cine mudo una fuente de ingresos.

No sólo la música, también los ruidos y acompañamiento tenían cabida en el cine mudo, por lo que algunos exhibidores disponían de máquinas especiales para producir sonidos, tempestades o trinar de pájaros. Cierto es que este sistema era solamente posible en grandes salas, en ciudades o lugares de público pudiente, y escasamente podía apreciarse en pueblos o lugares alejados. Todos los instrumentos eran válidos para hacer música en el cinematógrafo, aunque el piano (y la pianola) era normalmente el más apetecido.

Algunos experimentos habían demostrado que las ondas sonoras se podían convertir en impulsos eléctricos. En el momento en que se logró grabar en el celuloide esta pista sonora, se hizo posible ajustar el sonido a la imagen, y por lo tanto hacer sonoro el cine.

Thomas Alva Edison, uno de los inventores del cinematógrafo, había conseguido grabar la voz humana en su fonógrafo en el año 1877. No fue el primero, ya que Muybridge gravó la progresión del galope de un caballo en 1972. Estos dos precursores sientan las bases de los inventos posteriores. En el caso del cine, el problema que no se conseguirá solucionar de manera rentable y eficaz hasta después de la Primera Guerra Mundial será la sincronización de sonido e imagen.

CINE SONORO

Las nuevas técnicas, el espíritu creativo y emprendedor de los cineastas y la búsqueda del más difícil todavía, hizo que se impusiera el cine sonoro, acabando, no sin dificultades y dejando a mucha gente en el camino, con el cine mudo. Cuando el cine sonoro demostró su rentabilidad, las películas mudas, a pesar de su arte, quedaron condenadas a pasar a la historia. El cine mudo había durado 35 años.

En 1926 se estrenó en Nueva York Don Juan, con efectos sonoros y una partitura sincronizada y posteriormente varios cortos que fueron perfeccionando los dos sistemas. El 6 de octubre de 1927 se estrenó El cantor de jazz (The Jazz Singer), considerada la primera película sonora de la historia del cine, que hizo tambalear todos los planes del momento del cine mudo. Hacia 1930 el sonoro era un hecho, y el cine mudo había sido definitivamente vencido.

Algunos directores de fotografía afirman que el cine sufrió un inmenso retroceso al llegar el sonoro, pues limitó enormemente las posibilidades creativas del mismo, también fue muy entorpecido debido a que las cámaras hacían mucho ruido, los micrófonos lo captaban todo, al mismo tiempo no se entendían correctamente las voces de los actores y el operador, encerrado en una cabina insonorizada no se enteraba de nada.

Pero muy poco tiempo, se montaron las cabinas para la cámara sobre ruedas y enseguida se blindaron las cámaras insonorizándolas totalmente, con lo que recuperaron la movilidad anterior. Hacia 1928 se habían superado la mayoría de los problemas técnicos con los que se inició el cine sonoro, se inventó el micrófono que se coloca en lo alto de la escena.

TIPOS DE MONTAJE

Hay diferentes tipos de montajes con los que encontramos distintas formas de hacer un montaje. Dependiendo ya sea el montaje interno y el externo, o según el relato o la temporalidad.

Montaje Narrativo

Es contar los hechos de forma narrativa. Ya sea cronológicamente o mezclándolo con saltos al futuro o al pasado. Por ejemplo los Flash-forward o flash-back y Racconto.

Montaje Expresivo

Ideal cuando se trata de marcar el ritmo de la acción, por ejemplo rápido en las aventuras y en la acción, lento en el drama y en el suspense.

Montaje Ideológico

En caso de que se usen las emociones, expresarlas mediante símbolos, señas o gestos, domina el estilo ideológico.

Montaje creativo

Se basa en ordenar sin tener en cuenta una determinada cronología, sino como recurso cinematográfico, previamente expresado en el guión o como una operación totalmente nueva, que tratará de dar coherencia, ritmo, acción y belleza a la obra fílmica.

Montaje poético

Se realiza como una verdadera obra poética con intención expresiva, procurando despertar o causando reacciones en el espectador. Los planos pueden no presentarse en orden cronológico de manera de mantener la atención en todo momento.